jueves, 3 de abril de 2014

Las Ciervas nº 5: 1964-2014 - monográfico 50 años de ZAJ

Las Ciervas. revista Ilustrada nº 5
en el bar de ZAJ: 1964-2014 - monográfico 50 años de ZAJ
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Esta es una revista titulada Las Ciervas.
Este es su quinto número.
Esta revista puede leerse, verse o tocarse de la manera que a usted más le convenga.
Asimismo puede ser considerada como una revista de acciones, una revista objeto, una revista de humor, de arte de estética, de pasatiempos y acertijos, 
de instrucciones...o como lo que usted crea más oportuno.
Este quinto número está dedicado monográficamente al 50 aniversario del surgimiento de ZAJ y consta de un total de 100 ejemplares numerados y firmados.
Todos los números son piezas originales y están confeccionados manualmente uno a uno, como edición de artista.
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Las Ciervas es un proyecto de Rubén Barroso
tienes más información sobre cómo obtener la revista, sobre las presentaciones-acciones, aquí: http://rubenbarroso.com/ediciones-de-artista/las-ciervas/
Para cualquier otra consulta pueden ponerse en contacto en este correo: rubenbarroso1964@gmail.com
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http://rubenbarroso.com/

martes, 15 de octubre de 2013

Acción!Mad13 Programa Completo: del 7 de Noviembre al 7 de Diciembre de 2013

acción!MAD13 - X Encuentro de Arte de Acción 
 
Acción!MAD13 - X Encuentro de Arte de Acción

Programa Noviembre
 
Imágenes integradas 3

Sociedad Cervantina / La Bacía - jueves 7 de noviembre - 19:30 h
  • Mesa redonda con editores y proyección del documental "Una mirada a EDITA" de Ybare Seco.
    Participantes en la mesa redonda: Uberto Stabile, Pepe Murciego , Diego Ortiz, Yolanda Pérez Herreras, Rodrigo Córdoba, Marcus Versus , Inma Luna, Marta Torre-Marín e Isabel Huete.
Mercado Antón Martín / Sandwich Mixto - jueves 7 de noviembre - 20:30 h.
  • Exposición retrospectiva de EDITA y proyección del documental "Una mirada a EDITA" de Ybare Seco.
    La exposición permanecerá abierta hasta el sábado 16 de Noviembre.
    Horario: de lunes a viernes 9 a 21 h., sábados de 9 a 15.
Sala Triángulo - jueves 7 de noviembre - 22:30 h
  • Exposición retrospectiva de EDITA
    Velada con recitales, acciones y microconciertos
    Participantes: Eva Hiernaux, Inma Luna, Uberto Stabile, Peru Saizprez, Yolanda Pérez Herreras, Pepe Murciego, Nieves Correa y Abel Loureda y Ángel Petisme.
Centro de Arte Moderno - viernes 8 de noviembre - 20:30 h
  • Exposición "Acciones Cotidianas 2010/2012" de Abel Loureda
    La exposición permanecerá abierta hasta el sábado 7 de Diciembre
    Horario: de lunes a viernes de 10 a 14 h. y de 17 a 21 h, sábados de 10 a 14 h
    Viernes 8 de noviembre a las 20.30 horas INAUGURACIÓN.
    Viernes 29 de noviembre a las 20.30 horas Gran Velada de Acciones Cotidianas.
Facultad de Bellas Artes de la UCM - miércoles 13 de noviembre - 12:00 h
  • Lorena Izquierdo (Valencia)
  • Virginia García (Valencia)
Matadero Madrid (Intermediae) - jueves 14 de noviembre - 19:30 h
  • Aisa Boa (Cartagena / Reino Unido)
  • Maria Vallina (Asturias)
  • Monica Aranequi (Madrid)
  • Theor & Domix Garrido (Murcia)
  • Lión Sitté (Guinea Ecuatorial)
Matadero Madrid (Nave 16-4 e Intermediae) - viernes 15 de noviembre - 19:30 h
  • Pierre Valls (Francia)
  • La Raya: Fernando Baena, Rafael Suarez, Susi Bilbao y Anna Gimein (Madrid)
  • Theor & Domix Garrido (Murcia)
  • James King (Irlanda del Norte)
  • Presentación del Proyecto Artpotheek (Bélgica)
  • JFA Estudio (Madrid)
Matadero Madrid (Nave 16-4 y Nave de Música) - sábado 16 de noviembre - 16:00 h
  • Alicia G (Elx)
  • Jennifer Hanley (Irlanda del Norte)
  • Nacho Galilea (Bélgica)
  • Presentación del libro de Bartolomé Ferrando (Valencia)
  • Pietro Spoto (Italia)
  • Naiana Cabral (Brasil)
Matadero Madrid (Nave 16-4) - domingo 17 de noviembre - 12,30 h
  • HrtOop7uv: Yifan Bao, María España Moral y Pablo J. Gª de Durango Caveda (Madrid)
  • Colectivo Sublatino (Colombia)
  • Àine Phillips (Irlanda del Norte)
  • Frances Mezzetti & Pauline Cummins (Irlanda del Norte)
  • JFA Estudio (Madrid)
CSA La Tabacalera de Lavapies - martes 19 de noviembre - 20:00 h
  • Dibujo Madrid · ¡15 minutos!
    Performances de: Ana Matey, Lucía Antonini, Marianela León, Nieves Correa y Abel Loureda, Pepe Murciego
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo - miércoles 20 de noviembre - 19:00 h
  • Àine Phillips (Irlanda del Norte)
  • James King (Irlanda del Norte)
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo - jueves 21 de noviembre - 19:00 h
  • Frances Mezzetti y Pauline Cummins (Irlanda del Norte)
  • Jennifer Hanley (Irlanda del Norte)
  • Abel Loureda y Nieves Correa (Asturias - Madrid)
Sala Fundación Cruzcampo - sábado 23 de noviembre
  • Àine Phillips (Irlanda del Norte)
  • James King (Irlanda del Norte)
  • Jennifer Handley (Irlanda del Norte)
  • Pauline Cummins (Irlanda del Norte)
  • Frances Mezzetti (Irlanda del Norte)
Espacios Urbanos de la ciudad de Málaga - sábado 23 de noviembre
  • Àine Phillips
  • James King (Irlanda del Norte)
  • Jennifer Handley (Irlanda del Norte)
  • Pauline Cummins (Irlanda del Norte)
  • Frances Mezzetti (Irlanda del Norte)
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Auditorio 200 - viernes 22 de noviembre - 20:20 h
  • La Más Bella IMPRIME CARÁCTER.
    Charla La Más Bella 20 años, a cargo de Diego Ortiz y Pepe Murciego.
    Acciones con carácter, realizadas por un grupo de artistas noveles de 20 años de edad.
    Sorpresas y regalos bellos.
Centro de Arte Moderno - viernes 29 de noviembre - 20:30 h
  • Gran Velada de Acciones Cotidianas
Toda la info en: http://www.accionmad.org/2013/accion/accion.htm
 

sábado, 12 de octubre de 2013

Jessica Hirst ( EEUU) y Eliú Almonte ( Rep. Dom.) / Artistas residentes en Ulat / 9-24 Oct.



Nuestro abuelos estan sumamente ligados a nuestro ADN, y en funcion de ellos heredamos multiples comportamientos, enfermedades, virtudes, actitudes, exitos y fracasos. Es de muy especial interes para nosotros como creadores, re-inventar artisticamente la historia particular de los habitantes de la Riera, Catalunya y desarrollar un vinculo afectivo con el pasado y el futuro de sus habitantes, para que a traves del arte, puedan desarrollar y motivar mejores actitudes en sus vidas. Nuestro plan de trabajo que pretendemos desarrollar, incluye entrevistas, videos, fotografias, collages, dibujos y acciones , que durante 2 semanas estaremos desarrollando en la comunidad de La Riera. Pretendemos que en un espacio Artistico o No Artistico, publico o privado, poder mostrar a manera de Intervencion Performatica, el proceso y desarrollo de este dialogo tan particular con la comunidad. A traves de medios tan disimiles como la fotografia, dibujos de los abuelos realizados por la comunidad, Videos, Entrevistas, Collages, Objetos, Acciones e Intervenciones, mostrar al final de nuestra residencia, nuestro proceso investigativo y reflexivo de ''ABUELOS POSIBLES''

viernes, 11 de octubre de 2013

Chris Burden / Una vida convertida en performance / Por RANDY KENNEDY, LOS ÁNGELES (New York Times)

Una vida convertida en performance

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Por RANDY KENNEDY,  LOS ÁNGELES (New York Times)


De todas las cosas hechas por el creador Chris Burden y practicadas a su cuerpo en nombre del arte —un disparo en el brazo con un rifle del calibre 22, clavos en las manos, cortes con cristales rotos, confinamiento durante cinco días en una taquilla diminuta...—, puede que su performance más poética haya sido también la más simple.
En 1973, Burden viajó en kayak para B.C. Mexico desde una ciudad del mar de Cortés, en Baja California, hasta una playa deshabitada más al sur llevando solo agua. Pasó 11 días allí, con temperaturas que rondaban los 50 grados, antes de poner fin a la performance y volver remando a la ciudad. En su galería de Los Ángeles, una nota que describía su ausencia fue lo único que encontraron los espectadores al llegar a la exposición programada.
“Era más una cuestión de aislamiento que otra cosa”, dijo recientemente Burden, que ahora tiene 67 años. “Se trataba de desaparecer”.
A lo largo de tres décadas, este artista, objeto de una retrospectiva que organiza hasta el 12 de enero el New Museum de Manhattanha vivido su vida como una especie de experimento conceptual en el que ha estado a la vez ausente y presente. Su obra ha sido aplaudida en California y Europa, pero se reconoce poco en otros lugares.
Las esculturas que han constituido buena parte de la obra de Burden desde los años ochenta a menudo parecen trabajos que podría realizar un aficionado en su patio trasero: maquetas de puentes de acero, rascacielos de 12 metros construidos con piezas de mecano, dioramas militares inmensos y metrópolis en miniatura.
Desde 1981, Burden y su mujer, la escultora Nancy Rubins, han vivido en Los Ángeles, en las profundidades de los montes del cañón de Topanga. Antes de construir la casa, pasaron cinco años en una tienda de campaña; ahora son propietarios de 32 hectáreas en el cañón.

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CHRIS BURDEN.UNIFORMES

“Aquí las cosas alternan con bastante libertad entre ser funcionales y verse elevadas a un estatus artístico exaltado”, reconoce. Está rodeado de farolas, macetas antiguas decoradas, bancos, un grupo de fuentes en hierro forjado con forma de animales procedentes de China, tres torres relucientes hechas con piezas de mecano y un pequeño avión de juguete que puede volar.
Aunque su presencia aquí es pública, la última exposición en Estados Unidos dedicada a la carrera de Burden se celebró en 1988 en el Newport Harbor Art Museum (actualmente Orange County Museum of Art) de Newport Beach, California. “Hay una parte importante de su obra que no es conocida”, explica Lisa Phillips, directora del New Museum y comisaria de la muestra.
Burden parece casi tan corpulento como en sus primeros vídeos de performances y luce el mismo peinado juvenil en forma de casco. En parte debido a la radicalidad física de sus puestas en escena —en Trans-fixed (1974), tal vez su obra más famosa, permaneció crucificado por un corto espacio de tiempo sobre un Volkswagen Beetle —, su presencia resulta desde hace mucho algo amedrentadora. Pero en persona se parece mucho más a un ingeniero mecánico con ganas de entrar en materia.
“Cuando dejé las performances, las piezas que construía se convirtieron en laperformance”, dice, y muestra un puente de arco a escala de más de un metro de altura y fabricado con bloques de cemento que solo se sostienen gracias a la gravedad.
“Si esta pequeña pieza, solo esta, se rompe”, comenta Burden, señalando un cilindro de cemento situado cerca de la parte superior de un arco, “ya no hay puente. Se viene abajo. No sé cuánta gente lo entenderá, pero a mí me fascina”.


CHRIS BURDEN.Historia de dos ciudades

Animating the Archive: Black Performance Art’s Radical Presence by HYPERALLERGIC

REBLOG : http://hyperallergic.com/86044/animating-the-archive-black-performance-arts-radical-presence/


Animating the Archive: Black Performance Art’s Radical Presence

A visitor to the gallery makes up his own game using Benjamin Patterson's Pond (1962), at the Grey Art Gallery's exhibit, Radical Presence: Black Performance in Contemporary Art. (photo by author for Hyperallergic)
A visitor makes up his own game using Benjamin Patterson’s “Pond (1962),” at the Grey Art Gallery exhibition “Radical Presence: Black Performance in Contemporary Art.” (all photos by author for Hyperallergic)


Documenting performance art has always been tricky. There have been tons of panels and talks in the past year or two about the challenges and benefits of different methods of archiving. Martha Wilson, founder of Franklin Furnace, is developing a searchable database of work that her organization has hosted or supported over the years. The Hemispheric Institute of Performance and Politics has mounted a free online digital video library that allows viewers to see a wide range of work by artists from across the Americas. And the recent re.act.feminism project brought together new performance with re-performance of old works, a web-based archive, exhibits of documentation and ephemera, and lectures.
But many of the issues surrounding documentation and re-performance boil down to one simple fact: there’s no way to fully capture what it feels like to be there during the original performance. Not only is it impossible to capture things like the smell or psychic energy flowing between a performer and their audience, you can’t re-create the political and social milieu in which the work was made.
For this reason, one of pieces that struck me right off the bat when I entered the exhibition Radical Presence: Black Performance in Contemporary Art at New York University’s Grey Art Gallery was Lorraine O’Grady’s “Mlle Bourgeoise Noire” (1980–83). In the gallery, the work is represented by a series of 12 black-and-white photographs from her 1981 performance “Mlle Bourgeois Noire goes to the New Museum.” What makes the images so striking is not just O’Grady’s use of the iconography of the beauty queen, with her broad smile and long gown (in this case made entirely of white gloves purchased from thrift stores), but also the fact that you can see the reactions of people witnessing the performance. You can begin to read things like confusion, curiosity, discomfort, amusement, and distance in their facial expressions and body language.
According to O’Grady’s website, these performances were intended as invasions of established art institutions — both the many spaces that were exhibiting work exclusively by white artists and black art spaces like Just Above Midtown. Given her use of surprise and confrontation, the photos offer tiny glimpses of the effect that she might have been having on unsuspecting partygoers, whipping herself and shouting through glossy lipstick: “WAIT wait in your alternate / alternate spaces / spitted on fish hooks of hope / be polite wait to be discovered … THAT’S ENOUGH don’t you know / sleeping beauty needs / more than a kiss to awake / now is the time for an INVASION!” (View the full set of images here.)
As the scholar Thomas DeFrantz said in a panel organized in conjunction with the exhibit, “Performance that is improper can shift the air.”


Installation view, “Radical Presence: Black Performance in Contemporary Art” at the Grey Art Gallery
Installation view, “Radical Presence: Black Performance in Contemporary Art” at the Grey Art Gallery


One of the great things about performance, because it happens in real time, in real life, and often in front of other people, is that you have to negotiate whatever you’re feeling in public. Who knows what people were feeling when they showed up that night in 1981 to the opening at the New Museum, then still a relatively new space in the city? Whatever it was, there’s no doubt that for many of them, O’Grady’s unexpected presence changed it, even if only briefly.
In the ninth photograph in the series, she speaks to the crowd that had cleared to give her space and attention. Her escort stands nearby holding her cape and behind him, along a wall, are a number of onlookers. There are folded arms, hands in pockets, furrowed brows; one woman leans in to whisper to another; two others stand on tip toes to see over the escort’s shoulder. It’s a collage of uncertainty in the face of O’Grady’s knowing act.
Another artist in the exhibition whose performance work is shown through photographs that include the reactions of the audience is Clifford Owens. Among the large color images from his Anthology series, there’s a subset of five in which you see him kissing and pressing his body up against both men and women. That particular performance was inspired by a performance score written for him by the artist Kara Walker, a later iteration of which generated some controversy. Even if you weren’t one of the ones he touched directly in the performance, Owens is forcing all those witnessing his actions to grapple with them. Does this make you uncomfortable? Why? Does it turn you on? How does his black male body shift the narrative of what’s happening? Does it matter that he’s pressed against a white woman here, and a white man over there? It’s all well and good to intellectualize the response when looking at the photograph, but in a live performance you can’t really get away from your feelings and the feelings of the other people in the room; it’s all part of the experience.
Performers are invested in sculpting, enlivening, challenging, and transforming spaces. A huge part of that involves the expectations of the audience. On the panel, DeFrantz also spoke about how different contexts can have a huge impact on a performance, and any performer knows this all too well. Being in a bright, open gallery space where people can freely come and go is worlds apart from being in a theater where people are essentially trapped with you for some period of time, or even from being out of the street, where you’re one of hundreds of possible distractions and people’s expectations of safety and purpose are very different than they are in an arts venue. For DeFrantz, questions also arise about how values shift around “the performance of blackness within a context of majority whiteness.”


Side view of Satch Hoyt’s “Say It Loud!” (2004) (click to enlarge)
Side view of Satch Hoyt’s “Say It Loud!” (2004) 


Walking through an exhibition surveying a selection of performance art by black artists, it was impossible not to wonder what constitutes blackness and who fits within that category. And given one of the summer’s most talked about art world spectacles, Jay Z’s “Picasso Baby” performance at Pace Gallery, it was also impossible not to think about the way in which blackness does or doesn’t fit into popular conceptions of what performance art is, despite a long history of artists of color making work.
Jay Z’s performance and video also seemed to come to mind for the panelists, all of whom mentioned it in their talks. Moderator Tavia Nyong’o, a professor of Performance Studies at NYU, actually started the evening by showing a clip in which the artist Jacolby Satterwhite seems to briefly disrupt Jay Z’s own expectations for what his performance should be.
Panelist Malik Gaines, a performer and scholar, started by affirming that this exhibit is part of a growing field and history of performance that’s becoming more complete and nuanced as scholarship and documentation increasingly highlight the work of artists of color, among others. But he questioned what was included and what got left out of the show by looking at his own performance work with the group My Barbarian, which wasn’t included in the exhibit. Was it omitted because the work is more theatrical and less strictly based in his own body? Because the group he works with includes artists who aren’t black? His questioning seemed less an accusation or confrontation with the show’s curator, Valerie Cassel Oliver, senior curator at the Contemporary Arts Museum Houston, than a way to explore some of the limits inherent in any identity-based show.
Fellow scholar Daphne Brooks offered what might be an alternative to asking who gets included, and even an alternative to focusing on how performance impacts the audience, by suggesting that for “the inheritors of black critique, performance gives us the chance to capture ourselves.” She also drew on her recent teaching on the 50th anniversary of the March on Washington and reflections on both the Trayvon Martin court case and the effect of the Shelby County v. Holder Supreme Court decision on the Voting Rights Act. Brooks said she was interestedin the way that “activists inhabit, re-inhabit, and relearn protest, civil disobedience and protest performance.”


The standing-room-only crowd at the Sept. 26 panel discussion “Radical Presence: Black Study and Black Performance” at NYU. On the panel, from left to right: Tavia Nyong’o, Thomas DeFrantz, Daphne Brooks, and Malik Gaines.
The standing-room-only crowd at the Sept. 26 panel discussion “Radical Presence: Black Study and Black Performance” at NYU. On the panel, from left to right: Tavia Nyong’o, Thomas DeFrantz, Daphne Brooks, and Malik Gaines.


Hearing such different reactions and thoughts by these scholars reinforced the fact that performance operates simultaneously on many levels. Everything happening in the space and in the larger culture is at play in the moments when the work is realized. And each viewer, along with each performer, has their own nuanced experience of the work.
Radical Presence gives a great taste of some of the work done by black artists working in performance over the past five decades. And one of the best things about it is that it’s not just a static archive. So, don’t let your experience be only an encounter with objects in a gallery. See the exhibition (a second part of which will open at the Studio Museum in Harlem next month), but also see one of the many live performances or talks that run into February. Don’t let this exhibit be just an intellectual experience; let yourself be surprised, amused, confused, made uncomfortable, drawn in. As Audre Lorde said, “Our feelings are our most genuine paths to knowledge.”
Part I of Radical Presence: Black Performance in Contemporary Art continues at Grey Art Gallery (100 Washington Square East, Greenwich Village, Manhattan) through December 7. Part II opens at the Studio Museum in Harlem (144 West 125th Street, Central Harlem, Manhattan) on November 14.

Proyecto Trotamundos de Hector Canonge en la ULAT: Manifest Humà por Boek861

[PDF]

0 hector pf nd - Boek861

www.boek861.com/proyectos_rec/pry/0%20hector%20pf%20nd.pdf
Proyecto Trotamundos de Hector Canonge: Manifest Humà / Sept. ... donde, invitado por Pedro Alba, ha disfrutado de la estancia ofrecida por la ULAT-, y, en su ...
 
Otras referencias a la estancia de Cannoge en la Residencia Creativa de la ULAT
 

Resultados de la búsqueda

  1. Hector Canonge / EEUU / TARRACO URBS / Performance ...

    https://es-es.facebook.com/events/165917090272341/?ref=22
    Ver más. Público · De Hector Canonge y Pedro Alba · Participantes (7) ... Pedro Alba ha cambiado el lugar del evento por The grey square. Seguir esta ...
  2. The grey square - Tarragona, Spain - Arts & Entertainment | Facebook

    https://es-es.facebook.com/pages/The-grey-square/231288020344780
    is on Facebook. To connect with The grey square, sign up for Facebook today. ... Tarraco Urbs de Héctor Canonge (EEUU) Performance-instalación. Saturday ...
  3. ElRetreteRosa ( Oficial Page Tv ) | Facebook

    https://www.facebook.com/ElRetreteRosa?directed_target_id=0
    Hector Canonge / EEUU / TARRACO URBS / Performance & Instalación / The Gray Square / Tarragona, España ... The grey square in Tarragona, Spain.
 

Musac / CONFERENCIA PERFORMATIVA: nuevos formatos, lugares, prácticas y comportamientos artísticos




 
 
 
Imagen: Chiara Fumai, Chiara Fumai Reads Valerie Solanas, 2013. Cortesía de la artista.

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
CONFERENCIA PERFORMATIVA: nuevos formatos, lugares, prácticas y comportamientos artísticos
Fia Backström, Black Tulip, Erick Beltrán y Bernardo Ortiz, Erik Bünger, Paco Cao, Carolina Caycedo, Elmgreen and Dragset, Chiara Fumai, Alistair Gentry, Terence Gower, Loreto Martínez Troncoso, Javier Peñafiel, Falke Pisano, Francisco Ruiz de Infante, Rirkrit Tiravanija, Rafael Lamata y Jaime Vallaure, Isidoro Valcárcel Medina, Ricardo Valentim, Tris Vonna-Michel.
Comisario: Manuel Olveira
18 de octubre, 2013 - 06 de julio, 2014. Inauguración 18 de octubre 17.00 - 21.00 h.
Salas 4, 5, 6
www.conferenciaperformativa.org
Programa de conferencias performativas en vivo 18 - 20 de octubre y 18 de enero, 2014
Viernes 18 de octubre18:00 h. Francisco Ruiz de InfanteLa línea (2013)
19:00 h. Javier Peñafiel.  Latido antecedente  (2013)
Sábado 19 de octubre12:00 h. Isidoro Valcarcel Medina.  Una sola vez  (2013)
13:00 h. Chiara Fumai.  Chiara Fumai Reads Valerie Solanas  (2012-13)
17:30 h. Erick Beltrán.  Aparición de unidades  (2012-13)
18:30 h. Paco Cao. Visionado del Film El veneno del baile (2009)
20:00 h. Paco CaoVenenum Saltationis  (2013)
Domingo 20 de octubre12:00 h. Ricardo Valentim.  Growth and Culture (2012)
13:30 h. Alistair Gentry.  Magickal Realism (2010)
18:00 h. Chiara Fumai.  I did Not Say or Mean ‘Warning'  (2013
19:00 h. Paco Cao.  Servicio de coctelería psicológica  (2013)
Sábado 18 de enero, 201412:00 h. Ricardo Valentim.  Growth and Culture  (2012)
13:30 h. Erick Bünger.  A Lecture on Schizophonia  (2007-09)
18:00 h. Black Tulip.  [Sin título]  (2013).
19:00 h. Fia Backström.  Herd Instinct 360° (2006).

CONFERENCIA PERFORMATIVA: nuevos formatos, lugares, prácticas y comportamientos artísticos, es una investigación a modo de ensayo articulado a través de una exposición, un ciclo de ‘conferencias performativas' en vivo, una página web y un programa de actividades complementarias que exploran una práctica cada vez más presente en el mundo del arte pero poco conocida en España: el uso que los artistas hacen del formato de la conferencia como obra de arte.
CONFERENCIA PERFORMATIVA
investiga y muestra la conferencia como práctica artística expandida y las diferentes formas de presentación pública e interacción con la audiencia como formas concretas y nuevas de producción artística y de producción discursiva. Se trata de un proyecto híbrido, cruzado y un tanto bastardo que aúna las vertientes prácticas y discursivas de la creación y que se posiciona entre el discurso y la acción artística, entre la reflexión y la producción, entre el (arte) conceptual y la performance, entre la investigación científica y el espectáculo y entre la mediación y la difusión del arte.

A través de la práctica de la ‘conferencia dramatizada' se busca reflexionar sobre algunos temas centrales en la agenda de la cultura contemporánea, tópicos relevantes para el arte y preocupaciones que definen nuestro presente (la información, generación y distribución de conocimiento, las plataformas y formatos para distribuirlo y acceder a él, la búsqueda de nuevos marcos de trabajo y de acceso público al mismo, etc.).

La vertiente expositiva del  proyecto reúne 16 obras de los artistas Fia Backström, Erick Beltrán y Bernardo Ortiz, Erik Bünger, Paco Cao, Carolina Caycedo, Elmgreen and Dragset, Chiara Fumai, Alistair Gentry, Loreto Martínez Troncoso, Javier Peñafiel, Falke Pisano, Francisco Ruiz de Infante, Rirkrit Tiravanija, Rafael Lamata y Jaime Vallaure, Isidoro Valcárcel Medina, Tris Vonna-Michel, que permiten al visitante contextualizar el creciente  uso de formatos de interacción directa con los públicos en el arte contemporáneo.

Los días 18, 19 y 20 de octubre, coincidiendo con la inauguración,  así como el 18 de enero de 2014 se propone un intenso programa de 15 conferencias performativas que proponen un análisis de diferentes aspectos de la sociedad y la cultura contemporáneas utilizando las estrategias de la educación, la concienciación y el activismo.

CONFERENCIA PERFORMATIVA cuenta asimismo con un espacio web propio, www.conferenciaperformativa.org, que a partir del día 17 de octubre permitirá acceder a información sobre el proyecto, los artistas, documentación sobre este espectro de prácticas artísticas, así como material audiovisual sobre el proyecto y acceso a retransmisiones en streaming de las conferencias realizadas en MUSAC.

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MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24
24008 León

www.musac.es

musac@musac.es

HorarioMartes a viernes: de 11.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.00 horas
Sábados, domingos y festivos: de 11.00 a 15.00 y de 17.00 a 21.00 horas
Lunes cerrado

Tarifa general:  5 € / Tarifa reducida: 2 € Entrada gratuita viernes 18, sábado 19 y domingo 20 de octubre.
Entrada gratuita para todo el público domingos de 17.00 a 21.00 h.
Entrada gratuita todos los días para personas en situación de desempleo, personas con discapacidad, niños menores de de 8 años, profesionales adscritos a instituciones museísticas y otros. Más información en
www.musac.es
Horario de la Biblioteca - Centro de Documentación De martes a viernes: de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 19.45 horas
Sábados de 11:00 a 14:30 horas
Domingos y lunes, cerrado
Entrada libre